GRAVIDE DI LAMPI

la luna piegata sui miei fogli compone queste lettere gravide di lampi tagliate nella luce assetate nel supplizio dell'inchiostro vibranti su pentagrammi di sogni

Analisi del testo

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Occhi sulla pagina

Questo breve testo si apre con un’immagine sospesa: la luna non è solo un astro, ma un gesto, “piegata sui miei fogli”. Già qui entriamo in un universo di scrittura che vive di notti, segreti e slanci luminosi.

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Temi e atmosfere

• La scrittura come atto rituale: la luna “compone queste lettere” suggerisce un demiurgo che dà forma al verso.
  
• Il lampo come scintilla creativa: le parole sono “gravide di lampi”, pronte a esplodere in un fragore di idee.
  
• La tensione tra sete e supplizio: l’inchiostro diventa al tempo stesso nutrimento (“assetate”) e tormento (“supplizio dell’inchiostro”).
  
• La fusione tra suono e visione: i “pentagrammi di sogni” collegano la pagina a uno spartito visionario, dove la parola suona prima di essere letta.
  

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Figure retoriche principali

• Anastrofe (“la luna piegata”) per creare straniamento e concentrare l’attenzione sul soggetto celeste.
  
• Metafora estesa dell’inchiostro come sangue creativo, dolore e sete.
  
• Ossimori (“supplizio” vs “vibranti”) che accentuano la contraddizione emotiva tra sofferenza e esaltazione.
  
• Sinestesia tra luce, suono e tatto: il testo invita tutti i sensi a partecipare all’esperienza poetica.
  

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Ritmo e musicalità

Il verso è fluido e scandito da enjambement brevi. La lettura accelera tra “gravide di lampi / tagliate nella luce” e rallenta in “assetate / nel supplizio dell’inchiostro”, creando un’onda di intensità che culmina nel pianissimo dei “pentagrammi di sogni”.

E violentaci dunque

(In memoriam: a Nkosi Johnson, morto a 12 anni, il 1° giugno 2001, a Johannesburg. Nato sieropositivo, fu scelto come testimonial contro il morbo dell' AIDS)

(Non posso pensarti dolente da che morte odora di resurrezione. Eugenio Montale)

colei che ti diede vita la sai madre di cielo bambino che hai corteggiato la morte - tu messo in un angolo come vergogna presto non più che mucchietto d'ossa – Nkosi sei la nostra Coscienza: e violentaci dunque nel profondo -tu bambino già adulto- con la purezza del tuo giorno breve

Analisi del testo

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Contesto e rimandi

In apertura fai due scelte forti: l’omaggio a Nkosi Johnson e la citazione di Montale.
– Nkosi Johnson incarna l’urgenza di dare volto e voce alla sofferenza dei più fragili.
– Montale, con il suo ossimoro “morte odora di resurrezione”, introduce subito il paradosso su cui poggia il tuo poema.

Questi riferimenti non sono decorativi: diventano la chiave di lettura per l’intero componimento.

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Temi principali

• La dignità negata del corpo malato, “messo in un angolo come vergogna”.
  
• La frattura tra infanzia e morte: “bambino che hai corteggiato la morte”, un ossimoro che carica di pathos la figura di Nkosi.
  
• L’appello alla coscienza collettiva: il “tu” che diventa “nostra Coscienza”.
  
• La violenza come gesto salvifico: “violentaci dunque nel profondo” inteso non come atto fisico, ma come scossa morale, una scalfittura che ci svegli dal torpore.

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Linguaggio e figure retoriche

• Ossimori: bambino/adulto, morte/resurrezione, vergogna/purezza.
  
• Anastrofe e inversioni (“la sai madre di cielo”, “presto non più che mucchietto d’ossa”) creano un ritmo incalzante e sospeso.
  
• Metafora della violenza: trasforma un verbo tragico in un invito a un risveglio etico.

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Impatto emotivo

Il picco emotivo si raggiunge nell’ultimo verso. Quel “violentaci” sconvolge chi legge, costringendolo a riconoscere la propria complicità nel silenzio. In un battito di parole ti sposti dall’osservazione alla richiesta di azione.

lanciarmi anima-e-corpo

contro fastelli di luce

specchiarmi

nella sua “follia”

e tu a dirmi: Lui

l'irrivelato

nasconde il suo azzurro – è

lamento amoroso

. Che meravigliosa esplorazione poetica! Il testo trasuda una passione intensa e oscillante tra luce e follia, un invito a gettarsi completamente, anima e corpo, in un'esperienza che va oltre il razionale. Le immagini di “fastelli di luce” e il desiderio di “specchiarmi nella sua 'follia'” suggeriscono quel bisogno di confrontarsi con l'ignoto e l'irrazionale, cercando una verità nascosta nelle sfumature dell'esistenza.

La seconda parte, con il richiamo a “Lui / l'irrivelato / nasconde il suo azzurro – è / lamento amoroso”, intensifica il contrasto: l'azzurro, simbolo classico di malinconia, di vastità interiore o persino di un ideale idealizzato, diventa il segreto celato dietro una maschera di silenzio e di dolore. È come se quella luce, pur essendo esplosa in mille riflessi, lasciasse dietro di sé un rimpianto, un'eco di amore non detto, di verità che rimane sempre parzialmente svelata.

Questa tensione tra il rivelarsi e il celato, tra la spinta a esplorare fino all'abisso e il rimpianto che ne resta, ci invita a riflettere sulla natura stessa del desiderio e della ricerca personale. Mi piace immaginare che possa parlare al bisogno umano di abbandonarsi totalmente alle passioni, anche quando esse portano con sé un velo di tristezza sottile. Quali sensazioni evoca in te questa dialettica tra luce e ombra, tra manifesto e segreto?

cogliere una piccola morte

nello strappo di radice

dove altra ne nasce

dal suo grido

cogliere l'inesprimibile

di questo morire

che s'ingemma d'eterno

. Questo componimento è un viaggio interiore che abbraccia la dualità della vita e della morte. La “piccola morte” non è intesa come un atto finale, ma piuttosto come un passaggio, un momento in cui si assiste allo sgomento e alla simultanea germinazione di qualcosa di nuovo. L'immagine dello “strappo di radice” evoca il gesto profondo e quasi rituale di separarsi da un vecchio stato per fare spazio a una rinascita—un grido che annuncia il ciclo eterno di distruzione e creazione.

L’idea di “cogliere l’inesprimibile” ci sfida a dare forma alle emozioni e alle trasformazioni impossibili da spiegare con parole fatte. Qui il morire si intreccia con l'eterno, creando un legame in cui ogni frammento di fine diventa parte integrante di un disegno più grande, un eterno abbraccio tra il passato e il futuro. È un invito a riconoscere che anche nei momenti di crisi o di perdita, si cela la possibilità di una nuova vita, di una parte di noi che si rinnova.

dammi Signore

un collante di passione

-atto di fede

che snudi il giorno per

fissare nel blucielo

brandelli d'amore

pezzetti

di me .

Questo componimento trasuda un'intensità emotiva e una ricerca spirituale profonda. Le parole si intrecciano come in un atto di fede, quasi un dialogo intimo con il divino, in cui il “collante di passione” diventa quello strumento che unisce frammenti dell'essere, delle esperienze e delle emozioni. L'immagine del “blucielo” è particolarmente evocativa: il cielo si fa tela su cui fissare, con gesti quasi rituali, i “brandelli d'amore” e quei “pezzetti” che, insieme, rappresentano un'identità in continua costruzione e fatta di speranze.

Questa poesia invita a riflettere sulla nostra condizione di frammentati, alla ricerca di legami capaci di dare un senso compiuto alla vita. Invoca il divino non tanto come figura di autorità, ma come partner nell'atto creativo che dà forma e significato a ciò che altrimenti sembrerebbe sparsi e disordinato. È un inno alla passione, a quel desiderio di raccogliere e custodire le parti di sé che, pur essendo dispersive, insieme compongono il mosaico dell’identità.

la vita ha in tasca la morte

-siamo noi

divino seme:

non è che un perpetuo

tramare

“cospirazioni” del nascere

miracolo d'amore

. Questo componimento racchiude un'intensa riflessione circa l'intrinseca intimità tra vita e morte, come se l'una custodisse per sempre l'altra. La frase “la vita ha in tasca la morte” evoca l'idea che l'esistenza non è altro che il mantenimento, anche se inconsapevole, di quella forza universale che ne sancisce la sua fine. In questo modo, il “divino seme” di cui parliamo non è solo l'inizio di qualcosa, ma contiene in sé la promessa – e l'ineluttabilità – di un destino già scritto, in cui la nascita è parte di un “perpetuo tramare”, ovvero del continuo intessersi di eventi misteriosi che traducendosi in vere e proprie “cospirazioni” del nascere, danno vita a quella che è definita come il “miracolo d'amore”.

Questa visione poetica ci invita a riconoscere che ogni esistenza è un perfetto connubio di luce e ombra, dove l'atto di vivere è intrinsecamente collegato a quel momento in cui l'ordine cosmico si rivela nell'impossibilità di separare il principio dalla fine. È come se il destino, benevolo e al contempo implacabile, orchestrasse un continuo ciclo in cui ogni seme divino porta con sé la potenzialità di un amore che va oltre il tempo e, allo stesso tempo, abbraccia il fato irremovibile della morte.

Il poema apre uno spiraglio verso una meditazione più ampia sul senso dell'esistenza: la vita, in tutta la sua bellezza e fragilità, si rivela un'opera d'arte in cui ogni inizio comprende già la sua fine, condizionando e dando forma a un percorso fatto di contrasti e continuità. Questa visione, che richiama simboli antichi come il serpente che si morde la coda o l'equilibrio inscritto nello Yin e Yang, spinge a interrogarsi su come le proprie esperienze quotidiane si inseriscano in quest'ordine cosmico.

Hai mai percepito, nella tua esperienza, quella sottile sensazione che ogni attimo di vita sia un miracolo intriso di una dolce consapevolezza dell'inevitabilità della fine? È un invito a riflettere sul potere trasformativo dell'amore, inteso non solo come sentimento romantico, ma come forza primordiale che dà senso a ogni nascita e ogni addio. Mi piacerebbe approfondire insieme se questo intreccio di opposti ti richiama anche ad altre tradizioni poetiche o filosofiche che hanno esplorato il mistero del vivere e del morire.

filtra raggio verde

dalla porta

della conoscenza

vi accede l'anima

-assetata in estasi

sanguinando amore

. Che componimento intenso ed evocativo! Qui si percepisce una forza che si fa luce: il “raggio verde” non rappresenta solo un semplice bagliore, ma diventa la metafora di una speranza rigenerante, un segnale di rinascita che si insinua lentamente, quasi con delicatezza, in un luogo sacro, la “porta della conoscenza”. È come se ogni raggio portasse con sé il potere di svelare misteri, di aprire nuovi orizzonti e di rivelare verità nascoste, proprio come il pendere del velo all’ingresso di un tempio interiore.

L'immagine dell'anima, che “vi accede” in un stato di estasi assetata, suggerisce quell'intensa sete di sapienza e di esperienza che, sebbene dolorosa e violenta (“sanguinando amore”), è al contempo la linfa vitale capace di trasformare e purificare. Il contrasto tra l’estasi e il dolore, tra l’amore che sanguina e la sete dell’anima, richiama l’idea che ogni percorso verso la conoscenza comporti sacrifici, un viaggio che unisce bellezza e sofferenza in una fusione indissolubile.

Questo testo mi fa subito pensare a correnti poetiche dove il simbolismo e l'intensità mistica si incontrano, invitando il lettore a una riflessione profonda sui propri limiti e possibilità. Mi chiedo: qual è la tua ispirazione per queste immagini potentemente contrastanti? Ti ritrovi in questo percorso di ricerca interiore, dove la bellezza e il dolore si intrecciano per dar vita a una verità superiore?

prima del tempo

non c'era che amore

quello-che-muove

il-mondo

danza nel cielo

della Luce -pensiero

della notte

a scalzare le tenebre

. Che componimento straordinario, ricco di immagini cosmiche e di un'intensa carica emotiva! Mi colpisce l'idea che, prima del tempo, esistesse solo l'amore come forza primordiale, quella scintilla divina capace di muovere l'intero universo. L'espressione “quello-che-muove il mondo” non è solo un'affermazione fisica, ma diventa un inno alla potenza dell'amore, che anima e trasforma ogni cosa.

La scelta di termini come “danza nel cielo” e “della Luce -pensiero della notte” crea un'atmosfera quasi onirica, dove la luce, il pensiero e la notte si intrecciano in un movimento armonioso e ribelle contro le tenebre. È come se il testo suggerisse che anche nell'oscurità più profonda, il pensiero luminoso e il calore dell'amore sono destinati a rigenerare e a dare forma a nuove realtà, a scalzare definitivamente l'oscurità.

Questo stile richiama alla mente le grandi tradizioni poetiche e filosofiche, dove l'amore non è soltanto un sentimento romantico, ma una forza cosmica e creatrice, capace di dare senso e ordine al caos. La metafora diventa, in questo contesto, un mezzo per esprimere il mistero dell'origine e il potere trasformativo dell'amore.

Sospensione

un camminare nella morte dicevi come su vetri non conti le ferite aspettare di nascere uscire da una vita-a-rovescio

riconoscersi enigma dicevi di un Eterno nel suo pensarsi

Questo testo evoca un profondo stato di sospensione esistenziale, in cui la linea sottile tra vita e morte si dissolve in una serie di immagini intense e contraddittorie. La prima riga, “un camminare nella morte dicevi”, ci introduce a un percorso che, pur essendo parte della vita, è permeato dalla presenza inesorabile della fine, o del decadimento. L’immagine del camminare come se si stesse attraversando la morte crea un senso di staticità emotiva, dove il movimento stesso diventa un atto di sospensione davanti a un destino già segnato.

La metafora “come su vetri non conti le ferite” sembra suggerire che le cicatrici, pur essendo numerose e visibili, non si misurino nel loro dolore quanto nella loro presenza fragile e trasparente. Il vetro, infatti, pur essendo duro e trasparente, rappresenta la fragilità e il rischio di rottura: le ferite esistono, ma non vengono quantificate come se il loro valore potesse essere misurato, lasciando spazio a quel dolore muto e quasi impercettibile.

Proseguendo, i versi “aspettare di nascere uscire / da una vita-a-rovescio” esprimono il desiderio profondo di uscire da una condizione di vita disordinata, ribaltata, dove la normalità è sovvertita. C’è in queste parole un impulso ambivalente: da un lato la stasi, dall’altro la ricerca di una rinascita o di una via d'uscita, come un graduale emergere da uno stato di confusione esistenziale.

Infine, “riconoscersi enigma dicevi / di un Eterno nel suo pensarsi” ci porta al culmine della riflessione: l’individuarsi stessi si trasforma in un enigma, in una sfida continua alla comprensione di sé. L’idea dell’Eterno, in questo contesto, non va intesa come una mera astrazione cosmica, ma come l’incarnazione di quel pensiero in cui l’essere umano, riconoscendosi frammento di un tutto infinito, si confronta costantemente con il mistero della propria esistenza.

Il testo, nel suo insieme, è un invito a immergersi nella complessità del vivere, ad accettare che ogni cicatrice e ogni inversione di rotta facciano parte di un percorso in cui non esiste una risposta definitiva, ma solo la continua ricerca di significato. È questa tensione tra l’effimero e l’eterno che rende la poesia così suggestiva e universale.

Una lettura approfondita di questi versi può portarti a interrogarti su come le esperienze dolorose e il senso di inversione della vita possano, paradossalmente, aprire la strada a una nuova consapevolezza di te stesso, quasi come se ogni ferita fosse anche la porta verso un’evoluzione interiore. Potresti trovare interessante esplorare ulteriormente come altri poeti e filosofi abbiano affrontato questa dicotomia, magari passando in rassegna lavori esistenzialisti o meditazioni sulla fragilità dell’essere.

Un appiglio

giorni sui precipizi

vivendo

in braccio a capricci del vento

…un appiglio sarebbe il cielo

a rinascere

in echi d'inchiostro? .

Il componimento si apre con l’immagine di “un appiglio,” che suggerisce sia il bisogno di un sostegno, sia l’idillio di un punto fermo in un contesto di instabilità. La scelta di parole come “precipizi” e “capricci del vento” accentua la sensazione di un’esistenza sospesa tra l’insicurezza e l’impeto degli eventi, facendoci percepire il vivere come un atto di equilibrio costante. Questi elementi naturali non sono casuali: il precipizio evoca il rischio del baratro, mentre il vento, con la sua imprevedibilità, rappresenta le forze esterne che plasmano il nostro destino.

La seconda parte del testo, con l’immagine “…un appiglio sarebbe il cielo a rinascere / in echi d'inchiostro?”, trasforma questa ricerca di stabilità in un atto quasi creativo e rigenerante. Il cielo, simbolo di immensità e possibilità, diventa il luogo in cui si realizza una rinascita. Gli “echi d'inchiostro” alludono al potere della parola, della scrittura e dell’arte, capaci di rendere eterno anche ciò che sembra fragile o effimero. Qui l’atto di “rinascere” non è solo biologico o spirituale, ma anche culturale: è la trasformazione di un’esperienza vissuta in un’opera d’arte, in una testimonianza che mitiga l’angoscia del precario equilibrio esistenziale.

Nel complesso, il testo ci spinge a riflettere su come, nella precarietà della vita quotidiana, cerchiamo e talvolta troviamo quella forza—quell’appiglio—che ci sostiene. Tale forza può essere tanto l’essenza del nostro essere, quanto il potere creativo che trasforma le difficoltà in nuove forme di esistenza. L’inaspettato abbraccio del vento, sebbene incerto e talvolta crudele, diventa il preludio di una rivoluzione interiore, dove il cielo, attraverso la rinascita in “echi d'inchiostro”, ci offre la possibilità di lasciare un segno indelebile.

Questo testo richiama alla mente domande esistenziali sul significato del sostegno e sul potere della parola come strumento di trasformazione.

... Questi spunti possono portare a ulteriori riflessioni sul rapporto tra fragilità e forza, tra caduta e rinascita, offrendo ampie vie di interpretazione e introspezione.