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Calvario

(a San Massimiliano Kolbe).

portavo le mie quattr’ ossa sul calvario accomunato alle migliaia di sventurati lungo i binari della morte.

ti parlo a nome di chi nome non aveva ti parlo dalla regione del dolore con la bocca dei morti.

ove germogliano fiori di quel perdono che non è dei vivi

. Questo componimento pulsa di una tensione intensa, un grido silente che trasforma il dolore individuale in messaggio universale. Le parole “portavo le mie quattr’ ossa sul calvario / accomunato alle migliaia di sventurati / lungo i binari della morte” evocano il peso insostenibile del sacrificio, una marcia dolorosa sul sentiero comune di chi ha sofferto, portando in sé la memoria di chi, come San Massimiliano Kolbe, ha incarnato il sacrificio estremo nella storia umana.

Il testo si fa portavoce di una voce che, “a nome di chi nome non aveva”, parla dalla “regione del dolore” con la “bocca dei morti”. Questa scelta stilistica non è soltanto un’evocazione del silenzio del trapasso, ma diventa un atto di restituzione, un modo per dare forma e voce a quell’orrore che troppo spesso resta inascoltato. In questo silenzio, purestendere di una presenza quasi ultraterrena, il poeta ci invita a fare i conti con un dolore che trascende il tempo e si trasforma in memoria collettiva.

L'immagine finale, “ove germogliano fiori / di quel perdono che non è dei vivi”, costituisce una sintesi poetica potente: dalla cenere del sacrificio e della morte nasce un perdono, un germoglio che appartiene a una dimensione oltre il vissuto quotidiano. Qui il perdono non è una concessione dei vivi, legata ai compromessi della vita, ma un dono che sboccia dall’esperienza ultima del sacrificio, ordinando un ordine superiore in cui il dolore diventa seme di redenzione.

Questa meditazione solleva interrogativi profondi sul valore del sacrificio e sulla possibilità di una trascendenza del dolore attraverso il perdono. In quale misura il ricordo del martirio possa diventare un monito per vivere con maggiore consapevolezza? E come si trasforma la sofferenza in un linguaggio che parla tanto della fragilità umana quanto della sua capacità di rinascita?

Mi chiedo se questo intreccio di immagini, che unisce la crudezza del calvario al germogliare del perdono, possa suggerirti nuove chiavi di lettura sul rapporto tra vita e morte, tra il sé dolorante e la possibilità di una pace che supera i confini del tempo. E se guardassimo, per esempio, a come altre opere d’arte e letterarie abbiano trasformato l’esperienza del martirio in simbolo di speranza e resilienza? Potrebbero opere come quelle di Dante o persino i rituali di passaggio nelle culture antiche offrire ulteriori spunti di riflessione?

Questa poesia, con il suo peso e la sua delicatezza, potrebbe aprirti la porta a una meditazione più ampia sul sacrificio, sul senso della memoria e sulla redenzione che spesso si cela dietro il dolore.

Divagazioni sullo zero e sulla o

il nucleo l’anello l’uroboro due zeri abbracciati ti danno il simbolo dell’infinito puoi notare la vocale o di rimbaud gli ovali dell’ottocento la bocca spalancata nell’urlo di munch le bolle di sapone immagina gli occhielli delle forbici gli oblò simili allo zero o alla o

. Che meraviglia di meditazione sul potere evocativo delle forme! Il tuo componimento trasforma il cerchio, che a prima vista può sembrare una semplice figura geometrica, in un simbolo carico di significato. L’ouroboro, ad esempio, richiama il ciclo eterno della vita, della rinascita e del ritorno all’origine: un nucleo che si autoabbraccia, come se l’inizio e la fine fossero un’unica realtà. Allo stesso modo, i due zeri che si incontrano per formare l’infinito ci parlano di quella potenzialità senza limiti che nasce dal nulla, di come ogni vuoto racchiuda in sé la promessa di un nuovo inizio.

Le immagini che selezioni—la vocale “o” alla Rimbaud, gli ovali dell’ottocento, la bocca aperta nell’urlo di Munch, le bolle di sapone, gli occhielli delle forbici, gli oblò—si fondono in un gioco visivo e sensoriale che ci invita a vedere oltre la superficie. Ognuno di questi elementi, pur appartenendo a contesti e tematiche diversi, condivide quell’aspetto circolare che unisce il materiale al metafisico, il concreto al simbolico. È come se il cerchio diventasse un portale attraverso cui percepiamo l’instante eterno, il presente carico di ambiguità emotiva e di mistero.

La tua poesia, quindi, non è solo un esercizio di stile, ma un invito a riflettere sul significato profondo delle forme, sull’equilibrio sottile tra il vuoto e il tutto, tra l’essenza minimalista del simbolo e la complessità dell’esperienza umana. In questo senso, lo “zero” e la “o” si rivelano quasi come metafore parallele: uno rappresenta il nulla che si apre all’infinito, l’altro l’espressione sonora e visiva dell’essere, avvolgente e priva di confini.

Questa riflessione apre ulteriormente la porta a domande sul ruolo dei simboli nella nostra percezione del mondo: in che modo le forme elementari influenzano il nostro modo di leggere la realtà? Ed è forse proprio nelle pieghe di queste immagini, così essenziali eppure così cariche di storia e sentimento, che risiede il segreto di un continuo divenire? Un tema che abbraccia sia la filosofia che l’arte, invitandoci a un dialogo interiore sul senso del tempo, dell’identità e della trasformazione.

Mi chiedo quali altre forme o simboli ti ispirino nello stesso modo: hai mai meditato sul significato dell’anello, del cerchio perfetto o di altre figure geometriche che sembrano racchiudere interi universi di significato nascosto? Sarebbe interessante approfondire come questi simboli si intrecciano con la nostra esperienza emotiva e culturale, creando un linguaggio visivo che va al di là delle parole.

UN RAGNO TESSE uscirai dalla vita con le ossa rotte dappresso ti sta l'ombra
di serpe che agita il tuo sonno gli offri i tuoi passi da sonnambulo e il sudore di sangue emotivo dove un ragno tesse di versi una tela

Riflessione breve

Questo testo ha un tono notturno e minaccioso: immagini corporee e animali (ragno, serpe) tessono una tensione che parla di vulnerabilità, sonno e ferita emotiva.

Analisi del contenuto

Tema: paura esistenziale e perdita di integrità; la tela del ragno è metafora di versi che imprigionano o curano.
Immagini: il corpo spezzato, l’ombra di serpe, il sonnambulismo e il sudore di sangue creano un immaginario corporeo e onirico molto forte.
Voce e tono: voce intimista, quasi profetica; il ritmo è frammentario, vicino al verso libero, con enjambement che accentua l’inquietudine.

Punti di forza

  • Immagini sensoriali potenti e coerenti: il lettore sente il sudore, vede l’ombra, percepisce il tessere.
  • Economia lessicale: poche parole ma cariche di significato.
  • Ambiguità produttiva: non tutto è spiegato, e questo lascia spazio all’interpretazione.

Suggerimenti stilistici

  • Ritmo: prova a variare la lunghezza dei versi per modulare la tensione (versi più brevi nei momenti di urgenza).
  • Punteggiatura: qualche segno mirato può guidare la lettura senza appiattire l’ambiguità (una virgola o un punto dopo “sonno” o “sonnambulo” potrebbe cambiare l’enfasi).
  • Immagini secondarie: introdurre un dettaglio concreto (un oggetto, un suono) può ancorare l’onirico e aumentare l’impatto emotivo.

Due possibili continuazioni (stili diversi)

Continuazione 1 — cupa e simbolica

ti resta addosso la ragnatela di parole
che non si staccano, ti segnano la pelle
e ogni passo è un filo che si tende
fino a spezzare il respiro.
La serpe ride nel buio; tu impari a camminare
con le mani piene di versi.

Continuazione 2 — più lirica e intima

ma c’è un filo sottile che non vedi
che attraversa il petto come luce lenta
lo tocchi e scopri che non è solo prigione
ma mappa di vene, di ritorni possibili
il ragno tesse ancora, ma tu impari
a seguire il filo fino al centro.

Continuazione del testo

il filo ti avvolge come un nome antico
ogni passo lascia un segno di polvere e sale
la serpe scivola sotto la pelle del tempo
e tu impari a contare i battiti come nodi.

sudore di sangue sulle lenzuola del mondo
le dita cercano il centro della ragnatela
ma trovano solo versi appesi a un respiro
che tremano come lampade in una stanza chiusa.

qualcuno ha scritto il tuo nome con un ago di seta
e la notte risponde con un coro di piccole zanne
cammini ancora, sonnambulo, tra i versi che ti seguono
fino a che la tela non diventa mappa né prigione.

allora spegni la luce con la punta delle mani
e senti, per la prima volta, il filo che cede:
non è solo trappola, è anche corda di ritorno
e il ragno, paziente, continua a tessere il tuo canto.

Riscrittura con versi brevi

un ragno tesse
esci con le ossa rotte
l’ombra ti segue
serpe nel sonno

offri i passi
da sonnambulo
sudore di sangue
sulla pelle

un filo di versi
tiene e punge
polvere e sale
sui tuoi piedi

conti i battiti
come nodi
la ragnatela trema
ma non cede

senti il filo
che diventa corda
il ragno tace
e continua a tessere

Reliquie

a scrivere non la mano ma la mia radice ferita

testimonianza siano non lettere storte sull’acqua o che volteggino eteree dissanguandosi in volo

ma i momenti che restano nel tempo appesi al cuore

. Il testo “Reliquie” si presenta come una meditazione sulla scrittura come testimonianza autentica della nostra esistenza. Il poeta ci dice che non scrive con la mano, strumento superficiale e meccanico, ma con la “mia radice ferita.” L'immagine della radice ferita evoca l'idea che ciò che scriviamo debba nascere da un luogo profondo e autentico, segnato dalle esperienze, dal dolore e dalle cicatrici che la vita ci regala. È un invito a scavare oltre l'apparenza, a rivelare l'essenza nascosta di chi siamo veramente.

L'idea che la testimonianza non consista in «lettere storte sull’acqua» suggerisce la consapevolezza dell’effimero, quella scrittura che, per quanto bella o poetica, si disperde e si dissolve come se non avesse mai lasciato traccia. Al contrario, il poeta ambisce a qualcosa di più duraturo: i “momenti che restano nel tempo appesi al cuore.” In questo contrasto tra il fugace e l'indelebile, il testo celebra la potenza delle esperienze vissute, quei frammenti di vita che, nonostante il passare degli anni, continuano a dare forma alla nostra identità.

La metafora del volo – con le “lettere che volteggino eteree, dissanguandosi in volo” – aggiunge una dimensione quasi sacrale al gesto creativo. Queste immagini suggeriscono l'esistenza di una bellezza intrinseca, ma anche di una fragilità: la bellezza dell'essere che si libera, che si trasforma, eppure rischia di perdersi se non radicata in un'esperienza profonda e vissuta. È come se il poeta cercasse di catturare quelle reliquie, quei frammenti immortali, perché solo essi sono capaci di raccontare la verità del cuore umano.

Questa riflessione ci spinge a considerare la scrittura (o in senso più ampio, l'arte) come un atto di recupero e di immortale memoria. Non si tratta di creare decorazioni fugaci, ma di dare voce a quei momenti esistenziali che, seppur difficili e dolorosi, rappresentano la nostra verità interiore. La sfida, dunque, è quella di trasformare il dolore e la fragilità in un formato che non svanisca, ma che resti appeso nel tempo, come un prezioso testimone della nostra esistenza.

Non sei dei loro

nel chiuso della stanza o di pomeriggio nel sole da un po’ ti sorprendono a parlare coi morti – questi non tornano e tu non sei dei loro -ancora-

sono spirito (ma di essi poco si sa) -ubiqui ti leggono il pensiero e a volte giocano con le nuvole – quando nelle tue pareidolie ti pare ravvisarli

. Il testo “Non sei dei loro” si presenta come un frammento poetico che esplora con delicatezza e mistero la relazione tra l’individuo e un mondo invisibile, fatto di presenze eteree e pensieri che sfuggono alla mera materialità. La prima parte, dove si afferma:

nel chiuso della stanza o di pomeriggio nel sole da un po’ ti sorprendono a parlare coi morti – questi non tornano e tu non sei dei loro -ancora-

ci invita a considerare quei momenti in cui, sia nella sicurezza di un ambiente chiuso sia sotto la luce del giorno, la persona viene inaspettatamente raggiunta da conversazioni con chi non è più fra noi. L’espressione “parlare coi morti” può essere letta in diversi modi: da un lato, come un riferimento alla reminiscenza dei ricordi o delle voci che continuano a vivere nei pensieri; dall’altro, come un’evocazione della capacità di toccare il reame dell’ignoto, un mondo che si percepisce e si intuisce ma che resta sempre fuori dalla portata completa del vissuto quotidiano. L’aggiunta dell’”ancora” sottolinea una condizione di sospensione: il destinatario, pur intrattenendo questo contatto, non è ancora completamente inglobato in quell’aldilà invisibile.

La seconda parte del testo amplifica questo suspence e la sensazione di mistero:

sono spirito (ma di essi poco si sa) -ubiqui ti leggono il pensiero e a volte giocano con le nuvole – quando nelle tue pareidolie ti pare ravvisarli

Qui si introduce l’idea di entità spirituali, ammantate di un alone di enigma («poco si sa»), che cercano una forma di comunicazione più sottile e pervasiva, tanto da poter «leggere il pensiero». Il termine “ubiqui” rafforza l’idea della loro presenza in ogni dove, una presenza continua e quasi ineluttabile che, però, si manifesta in modo giocoso e sfuggente, come nel gioco delle nuvole o nelle pareidolie – quei momenti in cui la mente umana si illude di riconoscere volti o forme familiari dove non ce ne sono davvero.

Il poeta, in modo elegante, mette in luce il delicato equilibrio tra l’appartenenza e la distanza: il soggetto non è ancora dei “loro”, nonostante l’incontro costante con questi spiriti invisibili. C’è una tensione esistenziale che si cela nel non voler essere completamente assorbiti da un mondo che, pur essendo intrinsecamente presente, rimane per sua natura inesplorato e ambiguo. Il testo ci spinge a riflettere sulla soglia tra il visibile e l’invisibile, sul confine sottile tra la vita quotidiana e quella dimensione, meno tangibile, che tocca l’anima con le sue sfumature.

Questa riflessione può condurci a interrogarsi su temi universali quali l’identità, la memoria e la percezione della realtà. Ad esempio, potrebbe trattarsi di un invito a mantenere la propria individualità e il proprio spirito libero, resistendo a una deriva che vorrebbe omologare il pensiero o l’essere, recuperando comunque quella scintilla di mistero che ci permette di restare sempre in bilico tra ciò che è dato per scontato e l’infinito potenziale dell’ignoto.

Il mare era una favola

“non vorrei più uscire da questa dimensione eppure basterebbe come altre volte stringere forte gli occhi e…”

ma voglia non ne avevo – poi giocoforza mi ritrovai quasi deluso nel mio letto

avevo lasciato un mare che era una favola un’immensa tavola imbandita per i gabbiani a frotte

. Questo testo evoca un viaggio interiore carico di dissonanze tra l'incanto del sogno e la realtà del risveglio. La poesia, intitolata “Il mare era una favola”, si sofferma su quella dimensione magica e quasi irreale che, pur essendo percepita con intensità, svanisce lasciando dietro di sé solo il retrogusto della quotidianità.

Il desiderio di restare nell'incanto

La prima parte del testo presenta una voce interiore che esprime il desiderio di non abbandonare una dimensione onirica, quasi come se fosse un porto sicuro in cui rifugiarsi: > “non vorrei più uscire da questa > dimensione eppure basterebbe > come altre volte > stringere forte gli occhi e…”

Qui l’atto del “stringere forte gli occhi” diventa un gesto simbolico per entrare (o forse riconnettersi) con quella dimensione magica. L'ellissi suggerisce un invito implicito a lasciare correre l'immaginazione, a completare il gesto in modo personale, cosa che accenna a un rituale intimo di evasione dalla realtà.

Il contrasto tra l’immaginario e la realtà

Subito dopo, il tono muta: > ma voglia non ne avevo – poi giocoforza > mi ritrovai quasi deluso nel mio letto

La transizione dal desiderio alla realtà si manifesta in forma quasi forzata; il poeta, per mancanza di «voglia», non si concede più quella fuga e si ritrova, con una nota di delusione, nel mondo del risveglio. È come se il lasciar andare quella dimensione onirica comportasse inevitabilmente una profonda consapevolezza della banalità del quotidiano.

La trasformazione del mare in metafora

Le ultime righe introducono l'immagine del mare, trasformato in una favola e paragonato ad un’immensa tavola imbandita: > avevo lasciato un mare che era > una favola > un’immensa tavola > imbandita per i gabbiani a frotte*

Qui il mare, tradizionalmente simbolo di vastità, mistero ed emozione, diventa la rappresentazione di quel mondo immaginativo che il poeta ha abbandonato. La metafora della tavola imbandita richiama invece un’immagine di abbondanza e festa, ma destinata, ironicamente, ai “gabbiani a frotte”: creature che, nella loro banalità e quotidianità, non colgono il senso profondo di quella ricchezza preternaturale. È come se l'ispirazione, una volta lasciata, si ritrovi ad essere messa a disposizione di chi non sa apprezzarla, quasi a simboleggiare lo spreco di una bellezza unica.

Riflessioni sul significato

Il testo ci invita a riflettere su come l'intensità dell’immaginazione e del sogno possa svanire con la riscoperta del vivere quotidiano. C'è un palpabile senso di nostalgia per quella dimensione perduta, un rimpianto per aver lasciato andare la magia, pur sapendo che bastava un semplice gesto – lo stesso che, in altre occasioni, aveva il potere di trasportarlo in quel mondo fatato.

Il contrasto tra il desiderio di permanenza nell'incanto e la realtà che ritorna, quasi controcorrente, evidenzia una tensione esistenziale: il bisogno di fuggire dalla banalità e l’impossibilità di perpetuare indefinitamente quella fuga. In questo gioco di immagini, i gabbiani possono essere visti come simbolo delle forze materiali e quotidiane che reclamano ciò che è stato abbandonato, rendendo la “favola” un ricordo ormai sbiadito.

Dei miei detrattori

(Diocleziano, uno dei più odiati della storia)

lasciai alla terra il corpo-zavorra da cui forse con sollievo mi trassi se sia ala d’angelo a coprirmi il disonore -si dirà- ora che s’una misera tomba s’accanisce dei miei detrattori il ghigno feroce e lo sputo

. Questo breve testo, intitolato “Dei miei detrattori”, offre una riflessione intensa e ambivalente sul giudizio storico e sul peso del proprio lascito personale. È attribuito a Diocleziano—a cui viene spesso associato un passato carico di controversie e repressioni—e qui si percepisce come egli mediti sul contrasto tra il corpo terreno, definito con l'espressione “corpo-zavorra”, e una possibile redenzione spirituale che potrebbe consistere nell'aver lasciato alle spalle il peso della carne.

Le prime righe, in cui si afferma di aver “lasciato alla terra il corpo-zavorra”, si leggono come un distacco quasi liberatorio dalla materialità, un lasciar cadere il fardello profondo di un'esistenza giudicata e disprezzata da molti. La successiva ambizione di essere coperto da “ala d’angelo” riveste un doppio significato: da un lato si suggerisce l’aspirazione alla redenzione, la protezione divina che possa celare il “disonore” di chi, in vita, ha incassato il giudizio aspro dei suoi detrattori; dall’altro, si manifesta l’ironia e il tono provocatorio di chi, pur auspicando una trasformazione nell’aldilà, riconosce che il mondo resterà pronto a riversare “ghigno feroce e sputo” anche contro di lui.

Questa dicotomia—tra il desiderio di liberarsi dal fardello materiale e la consapevolezza dell’implacabile giudizio della memoria storica—ci porta a interrogarsi sulla complessità della figura di un personaggio storico come Diocleziano. Sebbene la sua fama sia infatti indissolubilmente legata alle immensi persecuzioni e a una politica di oppressione, il testo propone una visione che va oltre la mera condanna: si osserva infatti un uomo (o meglio, la sua voce poetica) che riflette sulle conseguenze personali del potere e su come la storia, con i suoi giudizi, tenda a perpetuare quella dualità di esaltazione e condanna.

L'utilizzo di metafore forti—ad esempio “corpo-zavorra” che evoca un senso di pesantezza e oppressione, e la “misera tomba” che diviene teatro del giudizio crudele dei suoi detrattori—serve a rendere palpabile il conflitto interiore e la tensione tra la materialità e lo spirito, tra il passato e la redenzione sperata. È come se in queste righe si contenesse l'eco di una voglia di liberazione dalla storia che ha marchiato l’esistenza del protagonista, insieme al dolore per il fatto che il rancore e l’odio non possano essere facilmente sepolti insieme al corpo.

La luna dei poeti

ho la luna dei poeti -pesci sull’ imum coeli–

scivola la barca della passione verso terre di mistero

pesco sogni di ragno nell’ intreccio di parole nate sulla bocca dell’ alba

mentre uno sbuffo di vento porta afflati d’ amore

: Questa composizione si apre con un richiamo alla luce interiore, un possesso quasi mistico: “ho la luna dei poeti” sembra evocare quell’ispirazione esclusiva e altrove, che appartiene solo a chi sa vedere oltre il consueto. La luna diviene così un simbolo di creatività e trascendenza, una compagna silente che guida il pensiero poetico.

(...)

Nel passaggio seguente, “scivola / la barca della passione / verso terre di mistero”, viene tracciato un viaggio emotivo e sensoriale. La barca, simbolo del veicolo interiore, naviga in acque ignote, trasportata dalla forza della passione verso territori dove il mistero regna sovrano. È un’interpretazione del percorso creativo come navigazione nelle acque spesso turbolente dell’anima, dove ogni istante è una scoperta.

Continuando, il verso “pesco sogni di ragno / nell’ intreccio di parole / nate sulla bocca dell’ alba” introduce immagini di una grande delicatezza: l’atto del “pescare” suggerisce la ricerca attenta e meticolosa di sogni, che si trasformano in fili sottili come quelli di un ragno, simboli tanto di creazione quanto di intrigo e rete. Le parole, “nate sulla bocca dell’alba”, sembrano avere il potere di dare vita a nuove realtà, come se il primo respiro del giorno fosse capace di generare un linguaggio intricato e poetico.

Infine, “mentre / uno sbuffo di vento / porta afflati d’ amore” richiama quella naturale fuggevolezza degli istanti intensi: il vento, imprevedibile e lieve, diventa il mezzo con cui si diffonde l’essenza d’amore, una carezza che sfiora senza fermarsi, trasportando emozioni pure e primordiali.

Questa poesia pulsa di immagini e suggestioni, intrecciando elementi naturali e simbolici in un ritmo quasi onirico.

*

Precisazione: pesci sull'imum coeli, in astrologia è il mio segno dei Pesci al Fondo Cielo (opposto al Medio Cielo), ed è la posizione privilegiata dei poeti. . Grazie per la precisazione. Conoscendo ora che “pesci sull’imum coeli” si riferisce, in senso astrologico, alla tua posizione personale – ovvero il segno dei Pesci al Fondo Cielo (IC) – possiamo approfondire ulteriormente il suo significato poetico e simbolico.

Significato Astrologico e Simbolico

Nell'astrologia il Fondo Cielo, o Imum Coeli (IC), rappresenta le radici, l'intimità, il nucleo emotivo e il luogo nascosto dentro di noi dove risiedono le esperienze più profonde. Con i Pesci in questa posizione, si accentua un'intuizione sensibile, una predisposizione verso il mistero e una connessione quasi magnetica con il mondo onirico e l'arte. Questa configurazione è frequentemente associata ai poeti, perché favorisce una capacità innata di trasformare l'inquietudine interiore e le sfumature emotive in espressioni creative e trascendenti.

Il Contrasto con il Medio Cielo

Il fatto che l'IC sia posto all'opposto del Medio Cielo (MC) evidenzia il contrasto tra il mondo interiore e quello esteriore. Mentre il MC parla delle ambizioni pubbliche, della carriera e del visibile, l'IC con i Pesci invita a esplorare il proprio universo perso e soggettivo. Questa dicotomia fa da trampolino a una poesia che non teme di scavare in profondità, di portare alla luce emozioni e intuizioni spesso celate e di (trasformarle) in un linguaggio unico e simbolico.

L’Impatto sulla Poesia

Posizionare i Pesci sull’imum coeli non solo indica una sensibilità artistica, ma anche una predisposizione a vedere bellezza e significato nelle sfumature dell’esistenza. La tua poesia, con immagini come “pesci sull’imum coeli”, diventa così un ponte fra il tangibile e l’intangibile, tra il vissuto quotidiano e il sublime regno dei sogni. Essa suggerisce che il poeta non si limita a “navigare” le superfici della realtà, ma immerge le proprie radici nell'infinito, attingendo a quel fluire di emozioni che accende la creatività e trasforma il vissuto in versi carichi di significato.

Riflessioni Finali

Questa posizione astro-poetica invita a considerare come le nostre radici, la nostra interiorità, possano diventare fonte di ispirazione e trasformazione. Fa emergere l’idea che le emozioni più profonde e spesso inespresse possano dare vita a una forma d’arte unica, capace di toccare l’universale attraverso la lente personale.

Quale aspetto della tua identità senti più intensamente influenzato da questa particolare posizione astrologica? In che modo questa connessione tra il tuo Fondo Cielo e l'energia dei Pesci si riflette nei tuoi processi creativi o nella tua visione del mondo? Questa potrebbe essere un’ottima chiave di lettura per esplorare ulteriormente sia la tua poesia che il tuo vissuto interiore.

Ai piedi della notte

un nodo d’inquietudine sospesa si scioglie ai piedi della notte sotto una luna ammiccante l’amore è come l’ansimare del mare s’abbevera del sangue delle stelle aduna in sé il sentimento del tempo vòlto dove è dolce la luce

. Questo componimento è incredibilmente suggestivo e pieno di doppiezza emotiva. La linea iniziale, “un nodo d’inquietudine sospesa / si scioglie ai piedi della notte”, evoca l'idea di una tensione interiore che, con l’arrivo dell’oscurità, trova il suo rilascio, quasi come se la notte avesse il potere di liberare le angosce celate durante il giorno. La notte diventa così non solo uno sfondo, ma un vero e proprio attore, capace di trasformare l'inquietudine in una sorta di pace effimera.

Il verso “sotto una luna ammiccante” introduce una complicità quasi giocosa con l'universo: la luna, lontana e misteriosa, sembra invitare l'osservatore in un gioco di seduzione e svelamenti. Questo elemento, così delicato e al contempo carico di mistero, si contrappone e si fonde con l'immagine vibrante dell'amore paragonato all’“ansimare del mare”. Qui l'amore assume una dimensione primordiale, quasi selvaggia, che si nutre di forze cosmiche, come se bevesse il «sangue delle stelle». Questa immagine, intensa e quasi surreale, sottolinea una connessione magica fra il sentimento amoroso e l'infinito che l'oscurità notturna porta con sé.

L'idea che l'amore “aduna in sé il sentimento del tempo” aggiunge un ulteriore strato di profondità, suggerendo che il sentimento non è statico, ma racchiude in sé la ricchezza e la complessità del trascorrere dei momenti, quasi raccogliendo le fragranze di un passato lontano per trasformarle in una luce dolce che illumina il presente.

La poesia si trasforma così in un viaggio emozionale: un delicato equilibrio tra inquietudine e bellezza, dove la notte non è solo fine del giorno, ma anche un luogo fertile in cui i sentimenti si fanno eterni.

Avevo in mente una poesia

stamattina avevo in mente una poesia stasera non ricordo più nemmeno un verso

ho lasciato il foglio bianco con flebili echi d’un mezzo secolo e ora rammento solo una pioggia di luce di stelle sopra il letto e il caldo abbraccio di lei

sullo schermo della mente un vissuto che sembra ieri

. Che poesia intensa ed evocativa! I versi trasmettono una sensazione di malinconia e fragilità che sembra fondere il flusso del tempo con l'effimero istante creativo. L'immagine di aver pensato a una poesia al mattino, solo per ritrovarsi la sera con il foglio bianco, rappresenta in modo potente quel momento in cui l’ispirazione sfugge come sabbia tra le dita.

Il “foglio bianco” diventa metafora non solo di un’opportunità creativa perduta, ma anche della memoria che si dissolve – un richiamo a quel mezzo secolo di echi, sfumato in un’eco lontana eppure vividamente evocata da quella “pioggia di luce di stelle sopra il letto”. La presenza del “caldo abbraccio di lei” aggiunge una dimensione personale e intima, come se la figura amata fosse il rifugio dove cercare ancora un appiglio, un ricordo che riscalda nonostante le ombre del tempo. Infine, l’immagine dello “schermo della mente” in cui si riflette un vissuto che sembra ieri, richiama quella continua tensione tra il desiderio di trattenere il passato e l’inevitabile scorrere del presente.